ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA - L’Estro Armonico de Vivaldi

Viernes 22 de marzo de 2024 - Espacio Turina: 20:00 horas
Precios localidades: 20 € y 10 € - COMPRA DE ENTRADAS

 

Ficha Artística

Lina Tur Bonet, violín [RV 578, RV 310, RV 522, RV 230 y RV 565]

Orquesta Barroca de Sevilla

Enrico Onofri (concertino) [solista en RV 549, RV 578, RV 580, RV 522, RV 550 y RV 565], Leo Rossi [solista en RV 580 y RV 550], Miguel Romero [solista en RV 549] y Nacho Ábalos [solista en RV 550], violines I

Íñigo Aranzasti [solista en RV 549 y RV, 580], Pablo Prieto [solista en RV 550], Valentín Sánchez [solista en RV 580] y Valentín Sánchez Piñero [solista en RV 549], violines II

Elvira Martínez y María de Gracia Ramírez, violas

Mercedes Ruiz [solista en RV 549, RV 578, RV 580 y RV 565] y María Saturno, violonchelos

Ventura Rico, contrabajo

Alejandro Casal, clave

Director: Enrico Onofri

Programa

L’Estro Armonico de Vivaldi

 

Antonio Vivaldi (1678-1741)

L’Estro Armonico Op.3 [1711]

 

I

Concierto para cuatro violines, violonchelo, cuerda y continuo en re mayor Op.3 nº1 RV 549

Allegro – Largo e spiccato – Allegro

Concierto para dos violines, violonchelo, cuerda y continuo en sol menor Op.3 nº2 RV 578

Allegro e spiccato – Allegro – Larghetto – Allegro

Concierto para violín, cuerda y continuo en sol mayor Op.3 nº3 RV 310

Allegro – Largo – Allegro

Concierto para cuatro violines, violonchelo, cuerda y continuo en si menor Op.3 nº10 RV 580

Allegro – Largo – Allegro

 

II

Concierto para dos violines, cuerda y continuo en la menor Op.3 nº8 RV 522

Allegro – Larghetto e spiritoso – Allegro

Concierto para cuatro violines, cuerda y continuo en mi menor Op.3 nº4 RV 550

Andante – Allegro assai – Adagio – Allegro

Concierto para violín, cuerda y continuo en re mayor Op.3 nº9 RV 230

Allegro – Larghetto – Allegro

Concierto para dos violines, violonchelo, cuerda y continuo en re menor Op.3 nº11 RV 565

Allegro – Adagio e spiccato – Allegro – Largo e spiccato – Allegro

Notas

A principios del siglo XVIII la música para conjunto instrumental había derivado en el norte de Italia en diversos géneros, entre los cuales el concierto estaba fraguando en formas también distintas: los más antiguos (los grossi), juntaban un pequeño conjunto (el concertino: por norma dos violines y un violonchelo) a uno mayor (el grosso) para hacerlos dialogar entre sí; pero a su lado habían empezado a escribirse obras para cuerda a cuatro o cinco partes, en las que ninguna tenía categoría de solista, y también otras en las que un instrumento (o varios) destacaba del conjunto por una interpretación más virtuosística e incluso se enfrentaba a él.

Cuando Vivaldi publica L’Estro Armonico (es decir, La inspiración armónica) en Ámsterdam en 1711, estaba en pleno proceso de experimentación con todas estas formas y ello se aprecia en una colección absolutamente fundamental para entender el desarrollo de la música instrumental a lo largo del siglo, pero en la que aún se hallan dudas y ambigüedades formales. La colección está formada por doce obras, que podemos ordenar en grupos de tres, en los cuales el primer concierto está escrito para cuatro violines solistas (son por tanto los nos. 1, 4, 7 y 10), el segundo, para dos (2, 5, 8 y 11) y el tercero, para uno (3, 6, 9 y 12), pero Vivaldi añade además un violonchelo obligado en los número 1, 2, 7, 10 y 11. Esto supone la presencia de los principios del concerto grosso (sobre todo, donde está el violonchelo añadido, que no siempre tiene funciones solistas en todos los movimientos), que se funde con los del concierto con solista, que el compositor llevaría a su culmen en la década siguiente. Resulta también significativa la presencia de dos partes de viola en cinco de los doce conciertos de la serie, una tendencia que estaba a punto de caducar.

Estas ambigüedades formales no se limitan sólo al orgánico y a la manera en que los distintos conjuntos instrumentales dialogan o se enfrentan entre sí, sino que también afectan a la estructura de las composiciones, de tal modo que además de los característicos tres movimientos (rápido – lento – rápido) que habrían de caracterizar por sistema al concierto veneciano, a veces Vivaldi emplea la forma, más antigua, del concierto boloñés, que –imbricado con la sonata de tipo corelliano– estaba en cuatro movimientos (nos. 2 y 4) e incluso en cinco (nos. 7 y 11).

Pese a esta diversidad de soluciones formales, la organización de la colección parece bien meditada, no sólo por los cuatro grupos de tres a lo que se ha aludido ya, sino también por la disposición armónica, ya que se alternan obras en modo mayor y menor, que sólo se altera en los dos últimos de la serie, acaso por terminar en tonalidad mayor. Más allá de esos conciertos en cuatro o cinco movimientos, también resulta algo arcaico el estatismo tonal de la mayoría de los movimientos, sin la rica modulación que habría de caracterizar el mundo del concierto vivaldiano maduro, así como una cierta regularidad melódica-rítmica, característica del universo compositivo de Corelli que habían impregnado las obras de Torelli y Albinoni. A cambio, Vivaldi aporta a las obras un dramatismo y una vitalidad que tiene mucho que ver tanto con el complejo juego polifónico como con el uso del cromatismo, lo que hace que esas fórmulas melódico-rítmicas alcancen por momentos una extraordinaria incisividad expresiva, que será pronto la marca de la casa del Prete rosso.

Si el Concierto nº10 en si menor, que Bach arreglaría para cuatro claves, se ha puesto a menudo como ejemplo de esa formidable teatralidad vivaldiana y ha sido considerado, con justicia, como uno de los más extraordinarios conciertos barrocos jamás escritos, comentaré brevemente, para terminar, el Concierto nº11 en re menor, que no le va a la zaga en potencia expresiva y audacia. El Allegro de apertura es una breve introducción en la forma, también venerable, de la tocata, con los dos violines solistas entrando en canon al unísono, sin acompañamiento, un juego imitativo al que luego se suma el violonchelo apoyado en el continuo. Sigue un modulante, y aún más breve, Adagio e spiccato, que se compone de sólo tres compases interpretados por el tutti mediante audaces fórmulas armónicas que sirven de perfecto pórtico a la entrada del Allegro subsiguiente en la tónica (re menor). Si todo lo anterior (que apenas pasa de un minuto de duración) se considera introductorio (pero, ¡qué introducción!), aquí arranca el concierto sensu stricto y lo hace con una majestuosa fuga a cuatro voces, que abre el bajo continuo con el violonchelo obligado al unísono, y se desarrolla con un juego de disonancias (segundas y séptimas) que crean la extraordinaria tensión de todo el movimiento, en el que Vivaldi no elude la escritura de episodios para los solistas. El Largo e spiccato que sigue es una bellísima y nostálgica cantinela que expone el primer violín, sutilmente ornamentado y acompañado por la cuerda, sin continuo, que está en un sinuoso compás de 12/8 alla siciliana. El Allegro de cierre se presenta con una introducción de los dos violines en canon, recordando el inicio de la obra, en el que se incrustará luego el violonchelo con un movimiento cromático descendente, lo que generará la tensión armónica que el tutti tratará de resolver con sus impetuosas entradas para exponer el ritornello sin conseguirlo del todo hasta el final, en una forma que recuerda sin duda los diálogos de los antiguos concerti grossi.

© Pablo J. Vayón

Textos

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Biografía

Lina Tur Bonet, violín

Considerada por la prensa internacional por su virtuosismo (“Fiery virtuoso”, The Strad, “Verdadera violinista del diablo”, Bayerische Rundfunk; “Superbement joué”, Diapason) combinado con una musicalidad poco común (“honest and heartfelt music-making”, Gramophone; “la violinista del alma”, Sankei Shinbun) y su energía sobre el escenario (“the small wonder, Lina Tur Bonet shines”, San Diego Union Tribune), Lina Tur Bonet ha desarrollado una carrera versátil y personal como violinista y directora.

Su repertorio abarca más de 400 años de música, siempre con los instrumentos originales de cada época.

Desde muy joven trabajó con muchas de las agrupaciones más reconocidas de la música barroca, romántica y contemporánea (Les Musiciens du Louvre, Les Arts Florissants, Mahler Chamber Orchestra y Orchestra Mozart Bologna, bajo la dirección de Abbado, Harding, Gardiner, Clemencic, Minkowski, Christie, Currentzis, Gatti…), actuando en Sidney Opera, Lincoln Center, Bunkamura Hall, London Proms o Berliner Philharmonie.

En la actualidad, Lina recorre el mundo actuando como solista en salas como el Wigmore Hall London, Styriarte Graz, Musik Before 1800 New York, San Diego Early Music Festival, ORF Vienna, Concertgebouw Amsterdam, Musashino Hall Tokyo, Philharmonie de París, Residenzwoche Munich, Early Music Saint Petersburg, Varna Festival, en Israel o en la Universidad de Yale, y como músico de cámara en Musikverein y Konzerthaus Viena, y la Filarmónica de San Petersburgo.

Es concertino de Le Concert des Nations con Jordi Savall, y concertino invitada de Il Complesso Barocco, Liceo de Barcelona, Orquesta Nacional de España, Hofkapelle Munich, Bach Consort Wien, Clemencic Consort, Concerto Köln, Palau de les Arts, Orqueste d’Auvergne, así como un largo etc.

Se presenta como directora con la Orquesta del Festival de Montreal, la Haydn Philarmonie Eisenstadt, la Pfalztheater Orchester Kaiserslautern, Barokkanerne Oslo, la Orquesta Barroca de Sevilla, Filarmonía de Oviedo, la Orquesta Ciudad de Granada, la Sinfónica de Palma de Mallorca, la Orquesta Vigo 430, Orquesta Sinfónica de Navarra, Orquesta de cámara de Menorca, la Cammerata, la Jerusalem Baroque Orchestra y la Camerata Villa Musica, Mainz, actuando a su vez como solista.

Sus grabaciones como directora y solista (música de Vivaldi, Biber, Corelli, Jacquet de la Guerre, Bartók, Bach, Haendel, Beethoven, Ravel y música del Seicento) han tenido una gran acogida internacional, siendo elegidas mejor versión por la BBC, referencial para Gramophone, mejor versión para Radio France Musique y para Scherzo, recomendadas por las radios alemanas Bayerische Ründfunk, Kulturradio Berlin y Südwestfunk. Ha obtenido numerosos galardones de revistas de música, entre otros varias veces el prestigioso Diapasón de Oro, 5* de la Radio de Berlín, 3 Premios GEMA a “mejor grabación del año”, Jocker, Editor’s Choice de la Revista Record Geijutsu Magazine, numerosos E de Scherzo, Melómano de Oro, R de Ritmo. 4* Pizzicatto, 5* de Classica, 10/10 de Luister... Su último CD, À Moune, con la música para violín de Ravel, recibió además el Premio a mejor Disco del año 2022 categoría de música de cámara, en los considerados Grammy japoneses de Record Geijutsu.

Graba e interpreta música inédita de Vivaldi, Pisendel, Matteis, Leonardo Leo, Boxberg, Boccherini, Reynaldi, Montali y Brunetti, Wranitzky, así como piezas contemporáneas escritas para ella.

Elegida como artista especial en el Festival de Montréal en 2017 para interpretar la integral de violín solo de J.S. Bach, ha tocado todas las Sonatas del Rosario de Biber en España, Viena y Tokyo, así como conciertos para violín y orquesta desde Vivaldi hasta Bartók.

Ha sido Artista residente de la Bach Biennale de Weimar el 2023 y del CNDM en la temporada 22-23.

Es catedrática de violín y viola barrocos en la Musikhochschule Franz Liszt”de Weimar y enseña también en la Escuela Reina Sofía de Madrid.

www.linaturbonet.com

 

Enrico Onofri, violín y director

Director titular de la Filarmónica Toscanini de Parma, director partner de la Haydn Philharmonie, director asociado de la Münchener Kammerorchester y de la Orchestre National d’Auvergne, director musical y principal de la Real Câmara y de la Academia Montis Regalis, Enrico creció en el taller de antigüedades de sus padres en Rávena (Italia), rodeado de la belleza del pasado desde el inicio de sus estudios musicales, desarrollando así una pasión por las interpretaciones históricas. Como director y solista, se vio llevado a explorar el repertorio del siglo XVII al XX creando su lenguaje personal a través del conocimiento de las praxis históricas, pensadas como extraordinarias fuentes de inspiración para nuevas ideas y panoramas en la interpretación. Su carrera comenzó con una invitación de Jordi Savall para ser concertino de La Capella Reial cuando aún era estudiante. Muy pronto se encontró trabajando con agrupaciones como el Concentus Musicus Wien, Ensemble Mosaiques e Il Giardino Armonico, el conjunto con el que fue concertino y solista de 1987 a 2010. En 2002 inició la carrera de director, lo que le ha brindado grandes elogios y numerosas invitaciones de orquestas, teatros de ópera y festivales de toda Europa, Japón y Canadá. Desde 2006 es director invitado de la Orquesta Barroca de Sevilla.

Las invitaciones como director o director residente incluyen orquestas como Akademie für Alte Musik, Camerata Bern, Bochumer Symphoniker, Vienna Chamber Orchestra, Festival Strings Lucerne, Kammerorchester Basel, Tafelmusik Toronto, Orchestra Ensemble Kanazawa, Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta de l’Opéra de Lyon, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta Metropolitana de Lisboa, Real Filharmonia de Galicia, Riga Sinfonietta y más. En el campo de la ópera, ha dirigido producciones operísticas en la Ópera de Lyon, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Torino Teatro Regio, Halle Staatstheater, entre otros, trabajando con directores de escena como Alessio Pizzech, Mariame Clément, David Marton o Stephen Lawless.

Fundó el grupo de cámara Imaginarium Ensemble para interpretar el gran repertorio de violín solista italiano desde principios del Barroco hasta el Siglo de las Luces. Los CD de Imaginarium Ensemble han recibido numerosos premios, entre ellos el prestigioso Diapason d’Or de l’année 2020 de Francia por Into Nature, Vivaldi's Seasons and other sounds from Mother Earth.

Enrico ha actuado en las salas de conciertos más famosas del mundo, incluidas Musikverein y Konzerthaus en Viena, Mozarteum en Salzburgo, Philarmonie y Unter den Linden Opera en Berlín, Alte Oper en Frankfurt, Concertgebouw en Ámsterdam, Teatro San Carlo en Nápoles,  Carnegie Hall y Lincoln Center de Nueva York, Wigmore Hall y Barbican de Londres, Tonhalle de Zúrich, Théâtre des Champs-Elysées y Théâtre du Châtelet de París, Auditorio Nacional de Madrid, Oji Hall de Tokio, Osaka Symphony Hall, Teatro Colón de Buenos Aires, junto a artistas como Nikolaus Harnoncourt, Gustav Leonhardt, Christophe Coin, Cecilia Bartoli, Katia y Marielle Labèque y más. Muchas de las grabaciones de Enrico con Teldec, Decca, Astrée, Naive, Deutsche Harmonia Mundi / Sony, Passacaille, Nichion, Pentatone, Winter & Winter, Opus111, Virgin, Zig Zag Territoires, etc., han sido galardonadas con prestigiosos premios internacionales, como el Gramophone Award, Grand Prix des Discophiles, Echo-Deutsche Schallplattenpreis, Premio Caecilia, Premio Fondazione Cini de Venecia, La Nouvelle Academie du Disque y numerosos Diapason d’Or, Choc de la Musique, 10 de Répertoire des disques compacts.

Enrico ha sido profesor de violín barroco e interpretación de música barroca en el conservatorio A. Scarlatti de Palermo y en el conservatorio G. Rossini de Pésaro. Ha sido invitado a impartir clases magistrales por toda Europa, Canadá, USA (Juilliard School, New York) y Japón. Ha sido tutor y director de la EUBO (Orquesta Barroca de la Unión Europea). En 2019 ha sido galardonado con el premio F. Abbiati como mejor solista del año.

www.enricoonofri.it

 

Orquesta Barroca de Sevilla

“… la riqueza cromática y el énfasis retórico de la Orquesta Barroca de Sevilla, fabulosa, exuberante y magmática…” (El País)

“Los instrumentistas, en absoluto estado de gracia, demostraron el porqué de su reconocimiento unánime: tiempos vertiginosos acometidos con pasmosa transparencia en connivencia con delicadas texturas, conjunción emocionante de una instrumentación riquísima…, deliciosas ornamentaciones, expresividad en carne viva en los pasajes lentos… Sencillamente, un Bach extraordinario por su brillantez y hondura… Buque insignia de su país, el público se puso en pie para aclamar con sus ovaciones a la OBS.” (Thüringische Landeszeitung)

“‘Pocos elogios se pueden verter sobre la Orquesta Barroca de Sevilla que no se hayan vertido ya… Estamos ante una de las mejores orquestas historicistas del mundo.” (El Arte de la Fuga)

“… Hay un trabajo tímbrico en esta orquesta que va mucho más allá del mero empaste: se trata de una planificación minuciosa sobre cómo magnificar los afectos, un manual del buen sonar…” (Beckmesser)

“… soberbia interpretación desde el foso de la Orquesta Barroca de Sevilla…” (ABC)

La Orquesta Barroca de Sevilla, con sus más de 25 años de trayectoria, se sitúa incuestionablemente en el primer nivel de las agrupaciones españolas que se dedican a la interpretación de la música antigua con criterios historicistas.

La orquesta ha tenido el honor de ser dirigida por las principales figuras internacionales, algunas de talla mítica, entre las que cabe destacar a Gustav Leonhardt, Christophe Coin, Sigiswald Kuijken, Jordi Savall, Rinaldo Alessandrini, Monica Huggett, Harry Christophers, Giovanni Antonini, Alfredo Bernardini, Diego Fasolis, Enrico Onofri e Ivor Bolton, entre otros muchos intérpretes. Además de la intensa actividad que desarrolla en Sevilla a través de su Temporada de Conciertos, que cuenta ya más de 10 ediciones, se presenta en los más importantes escenarios españoles (Auditorio Nacional de Música, Teatro Real, Teatro Arriaga, Teatro de la Maestranza…) y europeos (Alte Oper Frankfurt, Thüringer Bachwochen y Brühler Haydn Festival en Alemania; Festival Musiques des Lumières de Sorèze, Salle Gaveau de París y Festival Baroque de Pontoise en Francia, y otros en Italia, Suiza…, por citar algunos).

La Orquesta Barroca de Sevilla posee una amplia discografía con los sellos Harmonia Mundi, Lindoro, Almaviva y, más recientemente, Passacaille, además de en su propio sello, OBS-Prometeo, dedicado a la recuperación de patrimonio musical andaluz. Sus grabaciones han recibido distinciones como el Editor’s Choice de la revista Gramophone, Excepcional de Scherzo, Ritmo Parade, Recomendable de Cd Compact, AudioClásica, 5 estrellas Goldberg, Melómano de Oro…

En el año 2011 le fue concedido el Premio Nacional de Música, otorgado por el Ministerio de Cultura de España. Asimismo, ha obtenido el Premio Manuel de Falla 2010, el Premio FestClásica 2011 y una Distinción Honorífica del Ayuntamiento de Sevilla. La OBS cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura y el Ayuntamiento de Sevilla, así como la colaboración de otras instituciones como Junta de Andalucía y Universidad de Sevilla.

Imágenes

OBS (Luis Ollero).jpg

 

Espacio Turina
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    22/03/2024 a partir de 20:00

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